29 - Tierras de Penumbra - Richard Attenborough 1993

Los ojos azules de Anthony Hopkins proyectan el dolor de ahora que es parte de la felicidad de entonces.  El dolor del que nos habla el erudito profesor C. S. Lewis en su corto e intenso libro "Una pena en observación", donde narra sus tribulaciones tras la muerte de Helen Joy (interpretada por Debra Winger), poetisa americana que ha leído su obra y viaja a Oxford a conocerle. Joy dará un vuelco a la ordenada vida del docto académico irlandés. La jovial admiradora abrirá los ojos del académico y escritor de las Crónicas de Narnia, más allá de  los muros y ventanales del Magdalen College de Oxford donde enseña literatura y lengua inglesa, y de la confortable vida que lleva con su hermano Warney (Edward Harwicke, actor que formó parte de la célebre compañía teatral de Lawrence Olivier, "Royal National Theatre")."Tierras de Penumbra", quizá el mejor largometraje del actor y director británico Richard Attenborough, con genial guion de William Nicholson. Mucha sensibilidad en este encuentro con la fe, la enfermedad, el amor, y la muerte, sin llegar a caer en el sentimentalismo fácil.  El cuadro en el despacho de Lewis representa El Valle Dorado, el paraíso perdido de la infancia tras la muerte de la madre, al que volverá con su amante en el último viaje a ese verde paisaje con montañas al fondo, nunca olvidado. El joven Douglas (Joseph Mazzello) busca el mundo mágico en el armario del desván de la casa de los hermanos Lewis, pero sólo encuentra la dura madera. Joy y Jack se resguardan de la lluvia y viven ese momento de la felicidad presente, parte del dolor de entonces, que compartirán hijo y amante, dos niños que lloran y caminan por un sendero en penumbra, que se pierde en la lejanía azarosa del devenir diseñado por un sádico cósmico, un imbécil resentido.

Raúl Gallego.

Esta noche buscamos el camino en las tierras de penumbra...

José Miguel Moreno, Gervi Navío, Raúl Gallego, Adrián Gómez, y nuestro crítico de cine César Bardés.

Artículo sobre Tierras de Penumbra, por César Bardés

DALE AL PLAY Y ESCUCHA EL PROGRAMA

Título original: Shadowlands
Duración: 130 min. Reino Unido
Director: Richard Attenborough
Guion: William Nicholson(Obra: William Nicholson)
Música: George Fenton
Fotografía: Roger Pratt
Reparto:  Anthony Hopkins, Debra Winger, Joseph Mazzello, Edward Hardwicke, John Wood, Michel Dennison, James Frain, Peter Howell, Roger Ashton-Griffiths
Productora:Savoy Pictures / Spelling Films / Price Entertainment



Richard Attenborough

Attenborough fue un actor de carácter y un director de cabeza; un intérprete de corazón y músculo, y un realizador de piel. Richard Attenborough dejó como legado un puñado de actuaciones memorables en cine, casi siempre en papeles secundarios, y otro buen manojo de buenas películas como director. Entre ellas, y a pesar de los numerosos premios por Gandhi, su obra más conocida, una obra maestra incontestable: Tierras de penumbra, de 1993. Como director, labor en la que terminó siendo más conocido por el público, debutó tarde, ya a los 46 años, y cuando llevaba a sus espaldas una amplia experiencia teatral y cinematográfica, con ¡Oh, qué guerra tan bonita! (1969).  A partir de ahí, se especializó en superproducciones de lujo del cine británico, con multitud de roles y extras, múltiples localizaciones, larguísimo metraje y normalmente inspiradas en hechos históricos de gran importancia y personajes reales. El joven Winston (1972), su segunda película, ya rememoraba una de las personalidades más importantes del siglo XX británico, Winston Churchill, aunque centrándose en la época de su vida menos conocida, la previa a la política, como soldado de la guerra anglo-bóer. Y en la siguiente Un puente lejano (1977), ambientada en la II Guerra Mundial, ya se notaba su buena mano para conjuntar amplios repartos de estrellas internacionales: Sean Connery, Dirk Bogarde, Gene Hackman, Michael Caine, Liv Ullmann, Robert Redford y un largo etcétera. Tras la fallida Magic (1978), basada en una novela de William Goldman, en la que nunca supo atrapar con imágenes la inquietud del texto, le llegó el gran éxito en los Oscar con Gandhi (1982), biopic sobre el líder y pensador indio, con la que obtuvo ocho de los 11 premios a los que fue candidata la película, además de cuatro Globos de Oro y cuatro premios Bafta del cine británico. Gandhi era un prodigio de ambientación, mesura, calidez y narración, pero quizá una de esas obras tan aparentemente perfectas que dejan más huella en los anales que en las memorias cinéfilas.
Su carrera siguió por semejante senda, con trabajos como Chorus line (1985), en la que viró hacia el musical, Grita Libertad (1987), sobre el apartheid sudafricano, Chaplin (1992), muy superficial visión del inmortal cómico, y prototipo de su cine académico pero gélido, y En el amor y en la guerra (1996). Un molde del que se descolgó con maravillosa profundidad en Tierras de penumbra, sin duda su mejor obra detrás de la cámara. Biografía para la gran pantalla del escritor británico C. S. Lewis, el autor de Las crónicas de Narnia, viró en su costumbre habitual, abarcar toda la existencia de sus personajes, para centrarse en un arco mucho más corto pero intenso: su amor otoñal con la poetisa estadounidense Joy Grensham. De una edad semejante a la de su protagonista, Attenborough, con la ayuda de su insigne actor, Anthony Hopkins, plasmó el dolor del amor y la enfermedad, la timidez y el ardor, como pocas veces se ha logrado en el cine, con un relato al mismo tiempo amargo y precioso, esperanzador y desgarrador.
Tras sus dos últimas películas Búho gris (1999) y Cerrando el círculo (2007), menores en su carrera, se retiró de la dirección. Previamente a su labor al frente del objetivo, trabajó en numerosas películas como secundario de lujo. Debutó en 1942, nada menos que con David Lean y a los 19 años, con Sangre sudor y lágrimas, a la que siguieron, entre otras, A vida o muerte, La gran evasión, El vuelo del Fénix, El estrangulador de Rillinton Place, su mejor actuación como protagonista, dando vida a un enfermizo asesino, El factor humano y Parque Jurásico, ya como anciano, todas ellas a las órdenes de grandes de la dirección como Michael Powell, Emeric Pressburger, John Sturges, Robert Aldrich, Richard Fleischer, Otto Preminger y Steven Spielberg.

Javier Ocaña  (El País 24 Agosto 2014)

Filmografía como director:

Cerrando el círculo 2007 | Closing the Ring
Búho Gris 1999 | Grey Owl
En el amor y en la guerra 1996 | In Love and War
Tierras de penumbra 1993 | Shadowlands estrella 7
Chaplin 1992 | Chaplin
Grita libertad 1987 | Cry Freedom
A Chorus Line 1985 | A Chorus Line
Gandhi 1982 | Gandhi
Magic 1978 | Magic
Un puente lejano 1977 | A Bridge Too Far
El joven Winston 1972 | Young Winston
¡Oh, qué guerra tan bonita! 1969 | Oh! What a Lovely War!

28 - Melancolía - Lars Von Trier 2011

¿Quién no ha pensado alguna vez que el mundo puede acabarse en cualquier momento y uno mismo asistir al espectáculo? Von Trier nos acerca a una mujer mentalmente enferma que asiste al fin de la vida en la tierra, provocado por la inminente colisión con un planeta llamado Melancolía.  Lars Von Trier, el enfant terrible de Dinamarca, realizó las tres películas que conforman su denominada trilogía de la depresión: "Anticristo", con esa pareja que vislumbra el infierno más oscuro tras la muerte de su bebé, "Melancolía", donde el mundo cósmico, lunático y transgresor del director nórdico se personifica en su alter ego en la pantalla, Justine (Kirsten Dunst), y "Nymphomaniac, una historia de perversiones sexuales y sentimientos de culpa.

"Melancolía" comienza con un fascinante encadenamiento de primeros planos a cámara lenta, al ritmo del preludio compuesto por Wagner para "Tristán e Isolda", y continúa con referencias pictóricas varias: el abandono y cansancio del cuadro de Brueghel "Los cazadores en la nieve", que ya plasmó Tarkovski varias veces en su obra, Kirsten Dunst ahogada en la laguna y agarrando el ramo de flores, que nos remite a la suicida Ofelia pintada por John Everett Millais, o la desesperación que desprende el "David con la cabeza de Goliath", de Caravaggio.

Los novios han llegado tarde al banquete de boda porque la limusina se queda atascada en una curva del sendero, señal de que las cosas no saldrán bien. Justine, recién casada, entra en crisis profunda esa misma noche. Las dos hermanas representan dos visiones de la vida totalmente distintas, Justine, excéntrica  y taciturna, y Claire, de temperamento frío y calculador. Todo cambiará cuando el planeta Melancolía entre en sus vidas y amenace la existencia de la humanidad entera. En el momento de la verdad cada personaje reaccionará de manera distinta, y Justine se ofrecerá desnuda al planeta azul. Un paroxístico Von Trier lleva a los tres personajes a un estadio primitivo donde la naturaleza manda. Ya no sirven para nada los discursos pretenciosos de la boda, las limusinas, ni los lujos de la propiedad del adinerado John.

Raúl Gallego.

Esperamos la llegada de Melancolía bajo la cueva mágica:

José Miguel Moreno, Gervi Navío, Raúl Gallego, Elio Cubiles, y nuestro crítico de cine César Bardés.

Artículo sobre Melancolía, por César Bardés

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Título original: Melancholia
Duración: 136 min. Dinamarca
Director: Lars von Trier
Guion: Lars von Trier
Música: Mikkel Maltha
Fotografía: Manuel Alberto Claro
Reparto: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier, John Hurt, Brady Corbet, Cameron Spurr, Jesper Christensen
Productora: Coproducción Dinamarca-Alemania-Suecia; Zentropa Entertainments / Memfis Film / Slot Machine / Zentropa International Köln / BIM Distribuzione / Eurimages / Trollhättan Film AB / arte France Cinéma.


Lars Von Trier

Nació el 30 de abril de 1956 en Copenhague (Dinamarca)
Director y guionista danés, Lars von Trier es uno de los autores cinematográficos más significativos de los últimos años, principalmente por ser puntal del movimiento Dogma 95. Con influencias de Tarkovsky, Godard, Dreyer o Lynch, Lars rodó sus primeros cortos en la parte final de los años 60 antes de estudiar cine y graduarse en Coppenhague en el año 1983. En su etapa escolar sus compañeros le añadieron el “von” a su nombre real, Lars Trier. Un año antes de graduarse, von Trier filmó su primer largometraje, “Befrielsesbilleder” (1982), una película documental sobre la resistencia danesa en la ocupación nazi. La intriga criminal “El Elemento Del Crimen” (1984) mostró sus preocupaciones estéticas y logros atmosféricos con ambientes surreales y contrastes fotográficos. Fue el primer título de lo que se conocería como Trilogía Europa, continuada por “Epidemic” (1987), paranoia vírica de corte experimental, y “Europa” (1991), drama psicológico en el contexto de la Alemania de posguerra expuesto tono alucinatorio y ensoñador que le lanzó a la fama internacional tras recibir varios premios en el Festival de Cannes.
En medio de la trilogía, Lars von Trier filmó para televisión “Medea” (1988), una adaptación de la tragedia de Eurípidas filtrada por un proyecto original de Dreyer. Para televisión también creó “El Reino” (1994), una miniserie de terror fantasmal ambientada en un hospital. En el año 1995 el director danés junto a otros de sus compatriotas, entre ellos Thomas Vinterberg, lanzó el movimiento “Dogma 95”, mediante el que se buscaba huir del artificio a través de una narración austera y realista, algo ya manifestado muchos años antes por otras corrientes (neorrealismo) pero sin caer en la pomposidad y la experimentación estética que paradójicamente contrasta con las bases fundacionales y minimalistas del movimiento. Von Trier ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes con “Rompiendo Las Olas” (1996), drama romántico y psicológico sobre redención, sacrificio y amor con mucha música glam: Mott The Hoople, Bowie, T. Rex… “Rompiendo Las Olas” fue englobada también en otra trilogía denominada “The Golden Heart”, en donde también se incluyen “Los Idiotas” (1998), comedia dramática y excéntrica con aspiraciones satíricas, y “Bailar En La Oscuridad” (2000), historia musical-melodramática con protagonismo de la cantante Bjork que ganó la Palma de Oro en Cannes. Por esta última película el director danés fue candidato al Oscar por la canción “I’ve Seen It All”. En el drama experimental “Dogville” se dio inicio a otra trilogía, “La Tierra De La Oportunidad”. Ambientada en los años 30 y en un pueblo estadounidense, la cinta abordaba temas como la xenofobia, la venganza o la redención. Más tarde fimó “Manderlay” (2003), girando sobre la libertad, la esclavitud y el racismo, y “Wasington” (2009). Otros títulos dirigidos por Lars Von Trier son la comedia laboral “El Jefe De Todo” (2006) y “Antichrist” (2009), una mezcla de crisis de pareja, terror y drama erótico con el protagonismo de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg. Repitió con Charlotte Gainsbourg en “Melancolía” (2011), un drama con Kirsten Dunst, y en el film erótico “Nymphomaniac” .

Filmografía:

BEFRIELSESBILLEDER (1982) con Edward Fleming, Kirsten Olsen
EL ELEMENTO DEL CRIMEN (1984) con Michael Elphick, Esmond Knight, Meme Lai EPIDEMIC (1987) con Lars Von Trier, Allan De Waal, Ole Ernst
MEDEA (1988) con Udo Kier, Kirsten Olesen, Henning Jensen
EUROPA (1991) con Jean-Marc Barr, Barbara Sukowa, Udo Kier
ROMPIENDO LAS OLAS (1997) con Emily Watson, Stellan Skarsgard, Katrin Cartlidge
LOS IDIOTAS (1998) con Bodil Jorgensen, Jens Albinus, Anne Louise Hassing
BAILAR EN LA OSCURIDAD (2000) con Bjork, Catherine Deneuve, David Morse
DOGVILLE (2003) con Nicole Kidman, Paul Bettany, Lauren Bacall
MANDERLAY (2005) con Bryce Dallas Howard, Issach De Bankolé, Danny Glover
EL JEFE DE TODO (2006) con Jens Albinus, Peter Gantzler, Fridrik Thor Fridriksson ANTICRISTO (2009) con Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg
MELANCHOLIA (2011) con Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard NYMPHOMANIAC (2013) con Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard, Shia LaBeouf NYMPHOMANIAC VOLUMEN 2 (2014) con Charlotte Gainsbourg, Shia LaBeouf, Connie Nielsen

27 - La Gran Ilusión - Jean Renoir 1937

André Bazin decía que Jean Renoir había heredado de la sensibilidad literaria y pictórica de la época de su padre, un sentido profundo y conmovedor de la realidad. Su obra de arte "La Gran Ilusión" es un alegato antibelicista sin escenas de guerra. Corrían malos tiempos para la lírica en 1937, cuando Renoir decide componer este canto humanista a la fraternidad entre hombres de diferente nacionalidad y clase social. Tal como comenta Maréchal (Jean Gabin) a su compañero de fuga, "las fronteras no existen, las inventan los hombres". La película fue prohibida por los alemanes en su momento, como era de esperar, Hitler y Goebbels no comulgaron con el hecho de que una ciudadana alemana, Elsa (Dita Parlo), cobijara a dos fugitivos franceses, uno de ellos judío (Marcel Dalio), y tuviera incluso una aventura con uno de ellos, ni con la figura excepcional del tullido capitán Von Rauffenstein (Erich von Stroheim), representante de los viejos valores prusianos, la caballerosidad y el honor de aquellos viejos oficiales no eran del gusto de tercer Reich. Tampoco los franceses entendieron el mensaje pacifista, en un momento en que los tambores de guerra sonaban en la distancia, y demasiado cerca en España. Aún así los valores imperecederos de la película y su realismo poético, los temas que trata, su falsa improvisación, la fluidez narrativa, el grácil movimiento de la cámara y sutilidad del montaje,  la composición de planos pictóricos, el guion completísimo escrito en colaboración con Charles Spaak (también colabora en "Los Bajos Fondos" el año anterior), llamaron al público a las salas de cine y su estreno fue un completo éxito en taquilla.

El semblante roto de Von Stroheim tras velar la muerte de su respetado antagonista Boldieu (Pierre Fresnay), y el verso en imágenes que nos ofrece cortando el geranio, la única flor de una fortaleza donde sólo crecen las ortigas y la hiedra, quedará en la memoria del espectador para siempre.

Acaso el progreso sólo trae más destrucción,  los viejos tiempos se derrumban y Boldieu lo sabe en su lecho de muerte, o quizás queda una esperanza en el fondo de los ojos azules de Elsa, esa mujer alemana que ha perdido a sus seres queridos en Verdún, y se sienta con su pequeña hija en una mesa demasiado grande para las dos.

Raúl Gallego.

Intentamos cruzar la frontera nevada con nuestro crítico César Bardés...

José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío, y Jesús Mayoral.

Artículo sobre La Gran Ilusión, por César Bardés

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Título original: La grande illusion
 Duración: 95 min. Francia.
Director: Jean Renoir
Guion: Jean Renoir, Charles Spaak.
Música: Joseph Kosma.
Fotografía: Christian Matras.
Reparto: Jean Gabin, Erich von Stroheim, Pierre Fresnay, Marcel Dalio, Dita Parlo, Jean Dasté, Julien Carette, Georges Péclet, Werner Florian, Sylvain Itkine, Gaston Modot, Jacques Becker.
Productora: RAC


Jean Renoir

(1894-1979)
Segundo hijo del pintor impresionista Auguste Renoir, creció en el seno de una familia que concedía más importancia a la expresión creativa que a la especulación intelectual, un hogar sólido y bullicioso abierto a un constante flujo de amigos. Pasó la infancia entre la casa familiar de París y una finca en el campo en el sur de Francia, gozando de los beneficios de ambas vidas: la urbana -galerías, teatros, cafés- y un sentido de la libertad y la belleza que aprendió a relacionar con la naturaleza y que más tarde evocó en sus películas. Cuando era un muchacho solía posar para su padre y se aficionó a la cerámica como arte creativo. Provisto de algunos conocimientos técnicos, del instinto artístico heredado de su padre y de la influencia de las películas que había visto, en particular Esposas frívolas, de Von Stroheim (1921), emprendió la dirección de su primera película. La primera etapa de su carrera estuvo marcada por un cierto carácter vanguardista. Entre 1924 y 1928, fechas marcadas por sus películas La fille de l'eau y Tire-au-flanc respectivamente, exploró los valores del impresionismo francés y los del expresionismo alemán. Rueda dos ensayos de gran modernidad: Charleston (1927) y La cerillera. Entró una nueva etapa con La golfa (1931), con influencia del realismo. La obra de Renoir va vinculándose cada vez con más intensidad a la realidad francesa. En 1934 se aproxima al Frente Popular. Se unió al grupo Octubre, donde conoció a varios de los que serían sus colaboradores, entre ellos Jacques Prévert y Jacques B. Brunis. Juntos dirigieron El crimen del señor Lange (1936), su obra más política y optimista. Dirige La Marsellesa, que primero produjo la CGT y con La gran ilusión (1937) y La regla del juego (1939) llegó a la cumbre de su arte. En 1940 emigra a los Estados Unidos.
La naturaleza como fuerza vital y fuente de belleza eterna, y especialmente el movimiento de masas de agua y cuerpos en el agua, figuran principalmente en la obra de Renoir desde su primera película. Esa fascinación permanente alcanzó su máxima expresión en El río (1950), obra que dirigió en la India en una situación de completa libertad creativa. Producción asombrosa y hermosa, la primera en color, y fotografiada por su sobrino, Claude Renoir, es tan exquisita en su metáfora poética como en su belleza paisajística. En 1974 publicó su autobiografía, Ma vie et mes films. Recibió un Oscar honorífico por el conjunto de su obra en 1975. En 1977 fue nombrado caballero de la Legión de Honor francesa.

Filmografía:

1924 Une vie sans joie. Una vida sin alegría. (Junto con Albert Dieudonné)
1924 Fille De L'Eau. La hija del agua.
1926 Nana
1926 Sur un air de Charleston
1927 Marquitta
1928 Le Tournoi dans la Cité
1928 La Petite Marchande d'allumettes. La cerillera.
1929 Tire Au Flanc. Escurrir el bulto.
1929 Le Bled.
1931 La Chienne. La golfa.
1931 On Purge Bebé. La purga del bebé.
1932 L'Enfant Du Miracle
1932 La Nuit Du Carrefour. La noche de la encrucijada.
1932 Boudu Sauvé Des Eaux. Boudu salvado de las aguas.
1933 Chotard Et Cie
1934 Toni 1934 Madame Bovary
1936 Le Crime de Monsieur Lange. El crimen del Sr. Lange.
1936 Les Bas-Fonds. Los bajos fondos.
1936 La Vie Est a Nous. La vida es nuestra.
1936 Une Partie De Campagne. Una partida de campo.
1937 La Marseillaise. La Marsellesa.
1937 La Grande Illusion. La gran ilusión.
1938 La Bete Humaine La bestia humana.
1939 La Règle du jeu. La regla del juego.
1940 La Tosca. Tosca.
1941 Swamp Water. Aguas pantanosas.
1943 This Land Is Mine. Esta tierra es mía.
1945 The Southerner. El hombre del sur.
1946 Diary of a Chambermaid. Diario de una camarera.
1947 The Woman on the Beach. Una mujer en la playa.
1951 The River. El río.
1952 Le Carrosse d'Or. La carroza de oro.
1955 French Can-Can
1956 Elena et les Hommes. Elena y los hombres.
1959 Le Dejeuner sur l'Herbe. Comida sobre la hierba.
1959 Le testament du docteur Cordelier. El testamento del doctor Cordelier.
1962 Le Caporal Epinglé. El cabo atrapado.

26 - Reservoir Dogs - Quentin Tarantino 1992

Un atraco fallido, unos tipos de esmoquin caminan con prestanza, un infiltrado herido de bala en el estómago, diálogos acelerados que narran la trama, y un humor negro que rezuma inteligencia en la primera película de Quentin Tarantino. Reservoir Dogs, producida por Lawrence Bender, Monte Hellman, y alguna aportación adicional de Harvey Keitel tras leer el guion del pequeño genio y quedar abrumado. Historia al uso de robo a una joyería con poco éxito, la principal novedad es que los capítulos de la historia se presentan desordenados. La película empieza con el Sr. Naranja (Tim Roth) desangrándose en un coche tras el golpe, después se irán sucediendo las regresiones y los preparativos. El Sr Joe Cabott (Lawrence Tierney) y su hijo de vestimenta macarra-deportiva, junto con Eddie el amable (Chris Penn), irán reclutando a los miembros de este grupo salvaje. Gángsters con identidad desconocida y camuflados por colores: el Sr. Blanco (Harvey Keitel), el Sr. Naranja (Tim Roth), el Sr. Marrón (el propio Quentin y su famosa disertación sobre "Like a Virgin" de Madonna), el Sr. Rosa (Steve Buscemi), el Sr Azul (Edward Bunker, criminal, escritor y en sus ratos libres, actor) y el Sr. Rubio (el psicópata Michael Madsen).
Algo ha salido irremediablemente mal y no hay vuelta atrás, aunque el Sr. Blanco se peine para relajarse y el Sr. Rosa se eche agua en la cara y reniegue de su suerte. El Sr. Rubio no mejorará las cosas cuando entre en escena, con ese policía metido en el maletero, al que torturará con baile incluido, oreja de menos, y música de fondo de los setenta, el "Stuck in the middle with you"  de los Stealers Wheel. El cinéfilo loco de Knoxville más tarde nos seguiría impresionando con "Pulp Fiction", "Kill Bill", o "Jackie Brown", pero ésas son otras historias.

Raúl Gallego.

Esta noche se divierten como perros encerrados en el estudio

José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío, y nuestro crítico César Bardés.


Artículo sobre Reservoir Dogs, por César Bardés

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Título original: Reservoir Dogs
Duración: 99 min. Estados Unidos
Director: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino
Música: Varios
Fotografía: Andrzej Sekula
Reparto: Tim Roth, Harvey Keitel, Chris Penn, Steve Buscemi, Michael Madsen, Lawrence Tierney, Randy Brooks, Kirk Baltz, Edward Bunker, Quentin Tarantino, Burr Steers.
Productora: Live Entertainment / Dog Eat Dog Productions.

Quentin Tarantino

Quentin Jerome Tarantino nació en la localidad estadounidense de Knoxville en 1963, ubicada en el estado de Tennessee. Sus padres le bautizaron con el nombre de Quentin basándose en el personaje de Burt Reynolds (Quint Asper) en la serie televisiva del Oeste “Gunsmoke”.  Desde niño, e influenciado por su madre, Tarantino acudió a menudo al cine, escuchó música rock, leyó publicaciones pulp y vio numerosas series de televisión. En su adolescencia abandonó los estudios y comenzó a trabajar como acomodador de un cine porno. En el año 1985 logró trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach (California), lugar en donde acrecentó su cultura cinematográfica. En el videoclub Quentin entabló amistad con el estudiante de cine Roger Avary y conoció al productor John Langley, quien quedó prendado del amplio conocimiento del medio audiovisual que poseían los dos cinéfilos. Langley les contrató para trabajar como asistentes de producción de “Maximum Potencial” (1987), un título de ejercicios destinado al mercado del vídeo en el que Dolph Lundgren ponía de manifiesto sus habilidades en el body building, las artes marciales y el boxeo. Avary y Tarantino comenzaron a finales de los años 80 a escribir su primer guion conjunto, “True Romance”, que en 1993 fue adaptado al cine por Tony Scott con el título de “Amor a Quemarropa”. Por esa época Quentin dirigió una comedia inacabada titulada “My Best friend’s Birthday” (1987), co-escrita junto a Craig Hamman. En los primeros años de la década de los 90, Tarantino conoció al productor Lawrence Bender, quien recibió con entusiasmo el guion de “Reservoir Dogs”. Poco después puso el texto en conocimiento del actor Harvey Keitel. Keitel avaló el proyecto en la producción y la interpretación. El violento y estiloso thriller “Reservoir Dogs” (1992) cosechó un gran reconocimiento crítico en el Festival de Sundance y se convirtió rápidamente en un título de culto.
El talento cinematográfico de Tarantino, inspirado por un eclecticismo cinéfilo que bebe de fuentes diversas (desde John Woo, Martin Scorsese o Sam Fuller hasta Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) y singularizado por una sugestiva estructura temporal, un destacado dominio del espacio cinematográfico y un amplio conocimiento de la cultura pop apreciable en sus sagaces textos, se consolidó dos años después con el triunfo de “Pulp Fiction” (1994), título que revitalizó la carrera de John Travolta, ganó la Palma de Oro en el prestigioso Festival de Cannes, y fue nominado a siete premios Oscar, entre ellos, al de mejor película. Quentin Tarantino y Roger Avary lograron la estatuilla al mejor guion original. En 1995 Tarantino realizó un episodio de la película “Four Rooms” (1995) y retornó al largometraje con “Jackie Brown” (1997), film recibido con disparidad de opiniones que adaptaba una novela de Elmore Leonard. La película estaba protagonizada por la reina del blaxploitation, Pam Grier. En el año 2003 estrenó “Kill Bill: Vol. 1”, una película de artes marciales, estrenada en dos partes, Vol. 1 y Vol., una historia de venganza que tomaba elementos de Wuxia (arte marcial chino), Jidaigeki (género cinematográfico japonés) y spaghetti westerns. La protagonista de la película se basó en el personaje (la Novia) y la trama que Uma Thurman y él habían desarrollado durante el rodaje de Pulp Fiction.
 Junto a su faceta como director, Quentin Tarantino ha aparecido como actor, al margen de sus propias películas, en títulos como “Duerme Conmigo” (1994), “Alguien a Quien Amar” (1994), “Johnny Destiny” (1995), “Desperado” (1995), “Abierto Hasta El Amanecer” (1996), “Girl 6” (1996) o la comedia “Little Nicky” (2000). Como guionista escribió las películas “Amor a Quemarropa” (1993) de Tony Scott, “Asesinos Natos” (1994) de Oliver Stone (aunque descontento con los resultados sólo apareció como creador de la historia) y “Abierto Hasta El Amanecer” (1996), dirigida por Robert Rodríguez. Como productor ha intervenido en “Sombras Del Pasado” (1992), “Killing Zoe” (1994), película que supuso el debut como director de Roger Avary, “Abierto Hasta el Amanecer” (1996) o, entre otras, “Tú Asesina, Que Nosotros Limpiamos La Sangre” (1996). Tras las películas de “Kill Bill, Tarantino regresó a la dirección con “Grindhouse” (2007). Para esta sesión doble compartida con Robert Rodríguez, Tarantino dirigió la película con psicópata “Death Proof”. Poco después estrenó “Malditos Bastardos” (2008), película bélica ambientada en la Segunda Guerra Mundial con el protagonismo de Brad Pitt. Por este film fue candidato al Oscar como mejor director y guionista. Homenajeó a los spaghetti westerns en “Django Desencandenado” (2012), película en la que volvió a contar con Christoph Waltz. Jamie Foxx era el Django del título. Por este film Quentin logró su segundo premio Oscar al mejor guión original. Tres años después volvió al género del western para estrenar “Los Odiosos Ocho” (2015).


Filmografía:

MY BEST FRIEND’S BIRTHDAY (1987)
RESERVOIR DOGS (1992)
FOUR ROOMS (1995)
KILL BILL: VOL. 1 (2003)
KILL BILL: VOL. 2 (2004)
MALDITOS BASTARDOS (2009)
DJANGO DESENCADENADO (2012)
LOS ODIOSOS OCHO (2015)
ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD (2019)